ぐるぐるボカン　〜まわる！はしる！つるおかの自然

まわる! はしる! つるおかの自然 ─ 意味の潜在と顕在　岡部信幸

　タムラサトル氏の展覧会を見るため山形から鶴岡へ車を走らせた。「ぐるぐるボカン〜まわる! はしる! つるおかの自然」という展覧会タイトルからその展示作品を勝手に想像しつつ、アクセルを踏んだ。タムラサトル氏の過去最大規模の個展であることと、作品にまとわりつく意味や解釈をそぎ落とし、素材や物体そのものを明示するタムラ氏が、鶴岡の自然をどのように作品に反映させたのかに大いに興味があったからだ。

　館内に入ると、ロビーには棒の先につけられた布が文字通りバタバタと音を立てて回転する《バタバタ音をたてる2枚の布 #2》(2008)が設置されている。2000年に発表された最初のヴァージョンでは、生成り色の2枚の布だったものが、本作ではそれぞれ「タムラサトル　ぐるぐるボカン　祝大入　贈鶴岡アートフォーラム」、「鶴岡アートフォーラム　祝大入　贈タムラサトル」の文字入りの大漁旗に置き換えられている。「はためく大漁旗」のコーナー名と「日本海の恵み」の解説がつく。このように、タムラ氏の作品に鶴岡の気候や風土にまつわるモチーフとテーマが投影され、過去の作品も改作されているのが本展覧会の特徴の一つであることが諒解された。
　1階展示室には、初期の代表作であるレール上のクマがプロペラの回転によって後退する《Standing bears go back》(1998)、さらに新作の《ブロアの上の落下傘》と《Catch and Release》が展示されている。これらの作品にもそれぞれ、「うしろ向きにはしるクマ」(ツキノワグマ)、「風に漂うクラゲ」(クラゲ)、「しなり続ける釣竿」(釣り)のコーナー名(テーマ)が与えられている。また回廊部分では、「ぐるぐるまわるワニ」と命名された《スピンクロコダイル》シリーズ(1997-1998)が勢いよく回転している。
　2階展示室には、《Weight Sculpture》シリーズ(2004-2008)、《Double Mountain》(2001)、《100の白熱灯のための接点》(2010)が展示され、これらにもそれぞれ「重さの彫刻」、「山を登る山」(月山)、「入道雲に光る雷」(雷)のコーナー名やテーマが付されている。
　さらに、2009年夏のワークショップに参加した鶴岡市民との共同作品《体感! 500gだだちゃ豆》と《体感! 0gから150gまでの南禅寺》が「たべる、はかる、美味しくアート!」コーナーに展示されている。私たちは体重を気にしても、食べ物の重さを気にして食べることは少ない。鶴岡の名産品だだちゃ豆と南禅寺豆腐を「食べる」行為の過程で、食べ物を計量の対象─デジタルはかりの数字─として見るという視点のズラシがここにはある。《Weight Sculpture》シリーズの系譜にある作品ともいえる。

　上に述べたように、展示作品には鶴岡の自然や名産品が関連づけられている。その中で注目したのは、三六判(約180x90cm)の亜鉛メッキ鋼板100枚ほどが床に敷き詰められた空間に設置された《100の白熱灯のための接点》である。これまで発表された接点シリーズのなかでも規模の大きいものだろう。手前の卓上を左右に往復運動を繰り返す金属棒が発するスパークに連動して、正面の壁面に配置された白熱球が明滅する。さらに壁面には水平な線と、入道雲を暗示するような線が引かれている。
　また「しなり続ける釣竿」とされた《Catch and Release》には、継ぎ目のない一本の細竹からつくられる庄内竿で大物をしならせながら釣る庄内の磯釣りが暗示される。だが釣り竿からのびた釣り糸に掛かっているのはクロダイではなく鉄の台車。釣り糸がモーターを介したリールで巻き上げられるに伴い、釣り竿は大きくしなっていき、巻き取り終わるとリールは解放され、台車はレール状を滑り落ち、大きな衝突音を発して止まる。そして釣り糸は再び巻かれ始める。この一連の動きを反復する装置が5台設置されている。武士道にも例えられる庄内竿の釣道の精神性を、釣り竿の「しなり」という空間的テンションへと変換すると同時に、動きの反復という時間の持続によって、アイロニカルに表現しているように感じた。

　タムラサトル氏は自身のホームページで「なんの背景ももたない思想的に真っ白な作品をめざし、意味の破壊をテーマに作品を制作」すると宣言する。自己と社会とを媒介するものに付随する意味や設定、目的を取り去った物体「そのもの」をみせる作品は、まさに「それ」でしかなくなるとし、「そのもの」を「それ」としてみせるためには、最大限の注意を払うとも述べている。(タムラ氏HP: http://www.lares.dti.ne.jp/~mm25/tamura/statement.html/アクセス2011年3月11日)
　ここで鶴岡の展覧会タイトルをあらためて見ると、そこには「ぐるぐる」と「まわる」、「ボカン」と「はしる」という類義語の反復がある。ここには主要なタムラ作品の特徴である運動が指示されている。最後にぐるぐるまわる回転に2つの側面をみてみよう。
　タムラ作品とデュシャンとの関連はすでに言及されているが、例えばデュシャンがニューヨーク時代に制作した《回転するガラス板Rotary Glass Plates》(1920)では、金属の心棒に固定された5枚の彩色されたガラス板が回転することによってイリュージョンが出現する。この虚像をもたらす回転─次元の桁上げ─は、時間性の導入でもあるが、眼の原理に基づいている。さらにデュシャンはこの視覚的イリュージョンから逃れ、言語的世界へと自らを回転していくことになる。一方タムラ作品における回転は手段であり、作品の構成要素そのものである。ものにまとわりつく意味や目的はその回転によって振り落とされるように見えなくなり、もの「そのもの」が前景化する。タムラが述べる「思想的に真っ白な作品」とは、くみ尽くすべき意味が不在の空虚さを提示するというより、スパークする瞬間に視界が白一色となり、あるいは鉄の車台が衝突する瞬間の衝撃音に聴覚を閉じるように、観者の認識不能をもたらす飽和状態をさらしているように思える。そのために作品は動き続けなければならない。
　もう一つは、本展覧会で個々の作品に付与された鶴岡のモチーフやテーマの顕在化である。これらの意味の作品への投影は、タムラの多面的なヴィジョンが鶴岡という場の断面に投影されたものといってもよい。

　意味の消失と顕在化をもたらす運動を内包し、あるいは臨界点において何も起こらない運動を反復するつタムラサトル氏の作品。そこでは物質が物質ならざる何ものかへ転移することは意図されていない。なぜなら瞬間の中に永遠性をみるのではなく、持続の中に瞬間性を見るような、ものがものとしてある瞬間そのもの持続を問題としているからだ。
　次元の桁上げと高次の断面とのあわいに宙づりにされた運動の臨界点にあらゆるものが解き放たれる。そこではすべてが消失し顕在化するのである。

(おかべのぶゆき　山形美術館学芸課長)

*執筆にあたり、鶴岡アートフォーラム小林洋之様よりご教示賜りました。記して感謝申しあげます。

Spin! Go! Natural Tsuruoka – the Latent and Manifest of the Meaning of Things / Nobuyuki Okabe

I drove by car from Yamagata to Tsuruoka to see Satoru Tamura’s exhibition. As I pressed my foot down on the accelerator, I tried to imagine what sort of works would be featured in an exhibit titled “Guru-guru, BOKAN (twirl, boom)—Spin! Go! Natural Tsuruoka”. Tamura approaches his artwork by stripping it of the layers of meaning and interpretation that would cling to it, favoring instead to express materials and objects as they exist, and so I was deeply intrigued to see how he had related the natural aspects of Tsuruoka within his works in this his largest solo exhibit to date.
In the lobby of the museum entrance stands “Two sheets of cloth making ‘BATABATA’ sound #2” (2008), in which, as the name suggests, pieces of cloth attached to the end of a pole spin about, making a flapping sound. In the original version, presented first in 2000, the piece consisted of two blank pieces of cloth; in this new version, they are replaced by two large banners, one reading, “Satoru Tamura Guru-guru, bokan (twirl, boom) Congratulates Tsuruoka Art Forum” and the other, “Tsuruoka Art Forum Congratulates Satoru Tamura”. This corner of the exhibition comes with a title, “Large, flapping banners” and a description, “Bounty of the Sea of Japan”. For this exhibit, Tamura has taken his old works and refashioned them to reflect motifs and themes from Tsuruoka’s weather and climate.
In the exhibition room on the first floor is “Standing bears go back” (1998), a major early work of Tamura’s in which a spinning propeller causes bears standing upon a rail to move backwards. Alongside this piece are two new works, “Parachute above a Blower” and “Catch and Release”. Each piece is accompanied by a corner title and thematic motif in parentheses, respectively, “Bears going backwards (Black Bear)”, “Jellyfish hanging in the air (Jellyfish)”, and “Bending fishing rod (Fishing)”. In the corridor stands “Spin Crocodile” (1997-1998), vigorously twirling.
On the second floor there are three works: the “Weight Sculpture” series (2004-2008), “Double Mountain” (2001) and “Point of Contact for 100 Incandescent lamps” (2010), each corner accompanied by a title, respectively, “Sculptures of weight”, “Mountain climbing a mountain (Mount Gassan)” and “Lightning sparking in the clouds (Lightning)”.
In addition to these are two pieces created in collaboration with local Tsuruoka residents during a 2009 summer workshop: “Feel it! 500g dadacha bean” and “Feel it! Nanzen-ji tofu 0g to 150g”, on display in a corner titled “Eating, Weighing, Delicious Art!” Although people are often concerned about their body weight, we seldom consider the weight of the food that we eat. Through the process of “Eating” dadacha beans and Nanzen-ji tofu – both local specialties of Tsuruoka – our view shifts and we see the food as objects to measure, as a digital display of numbers. These works seem to be an extension of the “Weight Sculpture” series.

The pieces on display in this exhibit are indeed interrelated with the nature and local produce of Tsuruoka. One work that stands out is “Point of Contact for 100 Incandescent lamps”, set up in a space about 180 x 90 cm in size, with 100 zinc plates covering the floor. This is perhaps the largest of the works included in Tamura’s “Point of Contact” series. In this piece, a metal rod slides back and forth over a tabletop, setting off a spark that then causes the lights aligned along the wall to flicker. On the wall have been drawn straight horizontal lines along with lines that conjure up gathering storm clouds.
The “bending fishing rod” of “Catch and Release” alludes to local Shonai region surf fishing, as a Shonai-style fishing rod made from one stick of seamless, fine bamboo bends deeply as it latches onto something big. However, instead of a big black porgy, the fishing wire here is attached to an iron dolly. The rod bends deeply as the wire winds up on a motorized reel; when the wire winds completely the reel releases and the dolly crashes down with a loud bang and stops. Then, the fishing wire starts to wind up again. There are five such mechanisms lined up, all repeating this same motion. In this piece, Tamura has transformed the Bushido-like spirituality of the Shonai fishing method into the spatial tension of the “bending” of the fishing rod, expressing it ironically with the persistence of the repetitive motion.

On his website, Satoru Tamura states that he “creates art based on a theme, the destruction of meaning, aiming for artwork of pure white ideas with no background”. To take objects situated between self and society and to strip them of the meaning, establishment and purpose stuck to them, to expose them as “things as they are” to the point that they become simply “that” requires the utmost attention (Official artist website, 3/11/2011: http:/www.lares.dti.ne.jp/~mm25/tamura/statement.html).
Looking again at the title of Tamura’s exhibit, we find a repetition of onomatopoeic words: “guru-guru (twirl)” and “spin”, “BOKAN (boom)” and “go”. This is consistent with the characteristic motion used in Tamura’s works. Finally, let us consider two sides of “spinning”.
Tamura’s works have been compared to Duchamp’s. Take for example Duchamp’s “Rotary Glass Plates” (1920) made during his New York period, in which five painted glass panels rotate around a metal axis, creating an illusion. The rotation creates an optical illusion of another dimension, a temporal implementation that is also based upon the principle of the human eye. Furthermore, Duchamp turns away from the optical illusion and toward the linguistic world. The rotation used in Tamura’s works exists as device, as the building block of his work. The spinning shakes off the meaning and purpose that clings to the objects, and the objects are foregrounded as “things as they are”. The “artwork of pure white ideas” that Tamura refers to is not so much an expression of the emptiness of the absence of meaning, but alludes rather to exposing the saturated condition which causes disorientation in the viewer—the instant of the spark of a light when the viewer’s field of vision goes completely white, the moment the iron dolly comes crashing down with a loud bang that completely fills the viewer’s ears. This is the why his pieces must be constantly set in motion.
There is also the manifestation of Tsuruoka-based motifs and themes within the individual pieces in the exhibit. The projection of the meanings of these things onto his artwork is that of Tamura’s multifaceted vision projected onto a cross-section of this place called Tsuruoka.

Satoru Tamura’s works internalize motion that both deconstructs and manifests the meaning of things, repetitive movement that causes nothing at the critical point. There is no intention for the material to inevitably transition into something more. The focus here is on not the eternity found within a moment but rather the essence of the moment found within continued repetition, the persistence of the moment in which an object exists as a thing.
Everything slips at the critical point when motion hangs at the cross-section between another dimension and a higher level. There, everything dissipates and manifests.

Nobuyuki Okabe Head Curator, Yamagata Museum of Art

*Regarding this writing, I would like to express my gratitude and appreciation for the instruction from Hiroyuki Kobayashi of the Tsuruoka Art Forum.